Two Gallants, ‘The Bloom & the Blight’ y fechas en directo

Two Gallants, el dúo de San Francisco dedicado a destilar un cuidado folk rock aliñado por una buena dosis de actitud, acaba de publicar ‘The Bloom & the Blight‘.

Two Gallants The Bloom & The Blight

La primera canción que han extraído del disco es esta ‘My Love Won’t Wait‘ que a continuación os ofrecemos, pero lo mejor de todo es que, además, podremos verlos en nuestros escenarios dentro de nada.

Las fechas confirmadas a día hoy, son tres: el 29 de noviembre en la sala Music Hall de Barcelona, el 30 en la sala Caracol de Madrid y el 1 de diciembre en la sala Azkena de Bilbao.

No os lo podéis perder…

Y para el que no tenga suficiente con esto…

 

Entrevista Therion: ‘Les Fleurs Du Mal’

Los seguidores del grupo Therion están de enhorabuena. Además de celebrar su 25 aniversario como grupo con la publicación de su nuevo disco ‘Les Fleurs Du Mal’, la banda también va a emprender una nueva gira que pronto la hará pisar los escenarios de tres ciudades españolas (4 de octubre en la Sala Arena de Madrid, el 5 en la Razzmatazz 2 de Barcelona y el 6 en la sala Rock Star de Barakaldo).

Las citas se prometen especiales porque el grupo ha anunciado que estará algún tiempo alejado de los escenarios una vez finalizada esta gira. Además, sólo podrás conseguir ‘Les Fleurs Du Mal’ en los conciertos de Therion o en la página web del grupo.

Por todo esto, hablamos con Christofer Johnsson, alma mater del grupo y único componente que permanece en él desde sus comienzos, quien nos contesta desde la Villa Adulruna perdida en la campiña sueca.

El sonido de Therion siempre está cambiando. ‘Sitra Ahra’ fue muy diferente de ‘Gothic Kabbalah’, y este disco a su vez rompía radicalmente con el tono de ‘Lemuria’ y ‘Sirius B’. ¿Qué vamos a encontrarnos en este próximo ‘Les Fleurs Du Mal’?
Este disco es parte de un proyecto artístico más amplio. Así que, a pesar de que esté interpretado por Therion, no puedo decir que vaya a ser un disco de Therion al uso. Su sonido será bastante diferente. Pero bueno… ya falta muy poco para que lo empecemos a distribuir a la prensa y lo descubráis por vosotros mismos.

Ese título de ‘Le Fleurs Du Mal’ remite de inmediato a la colección de poemas del mismo nombre de Charles Baudelaire. ¿Tiene algo que ver el disco con ese trabajo?

El título está tomado de esa obra, en efecto, y de algún modo es un homenaje a Baudelaire, sí. Pero no se trata de un disco conceptual en torno a sus poemas ni nada por el estilo, el homenaje se queda sólo en el título.

Entrevista Therion Les Fleurs Du Mal

¿Cómo fue la grabación de este disco?

Tardamos alrededor de nueve meses en dejar la grabación tal y como nosotros queríamos y no fue un proceso nada fácil. De hecho, Thomas Vikström, nuestro productor, dijo que era la cosa más complicada que él jamás hubiera grabado. En esta ocasión Christian Vidal y Lori Lewis se han implicado mucho en todo lo relacionado con los arreglos, y eso también ha supuesto un cambio muy grande respecto a los anteriores trabajos del grupo.

Además de ese sonido siempre cambiante del que hablábamos antes, otra de las características de Therion es que no tiene una formación fija.

Eso es cierto, pero hay que tener cuidado de diferenciar entre los miembros permanentes del grupo y los músicos de sesión con los que hemos ido trabajando a lo largo del tiempo. Muchas de las personalidades fuertes que han ido dando forma a las canciones de Therion, ya fuera sobre las tablas o en el estudio, han sido músico contratados a tal efecto y que nunca se planteó que fueran a quedarse para siempre. A menudo hay cierta confusión sobre ese tema, porque lo cierto es que los miembros permanentes de Therion no han cambiado en tantas ocasiones.

Aun así, habéis conseguido definir un estilo único a pesar de todos esos devaneos sonoros y de formación. ¿Cómo es el fan medio de Therion, si es que hay algo así?

La verdad es que todos los fans de Therion que he podido conocer son muy diferentes entre sí. Lo único que creo que sí que tienen en común es que son de edad más avanzada que los seguidores del resto de grupos de nuestra generación.

¿Centraréis los repertorios de esta gira en el nuevo disco, o haréis algo especial por vuestro 25 aniversario?

Habrá un poco de las dos cosas. Tocaremos tres canciones de ‘Les Fleurs Du Mal’, un montón de clásicos, y también habrá tiempo para recuperar canciones que muy pocas veces hemos tocado en directo y centrarnos en canciones más largas y complejas como ‘Via Nocturna’, ‘Land of Canaan’, ‘Siren of the Woods’ o ‘Wondrous Wolrd of Punt’. Para ayudarnos un poco con todo esto, llevaremos con nosotros un teclista, lo que sabes que no es algo demasiado usual.

Vuestros directos son una de las mejores experiencias que uno puede tener en una sala de aforo medio. Son teatrales, poderosos en lo que a música hace referencia…

Sólo intentamos hacer el tipo de show que nos gustaría ver a nosotros. Es tan simple como eso. Nos imaginamos a nosotros en el lugar de nuestros seguidores y tratamos de imaginar qué es lo que nos gustaría ver sobre el escenario. Creo que, dado lo espectacular que es nuestra música en algunos pasajes, es importante que lo hagamos de este modo y que cuidemos en todo lo posible la puesta en escena.

therion entrevista les fleurs du mal

Creo que la primera vez que escuché a Therion fue con motivo de la publicación de ‘Vovin’, pero tengo la sensación de que fue en ‘Secret of the Runes’ donde disteis el salto cualitativo que hizo posible posteriores trabajos como el doble ‘Lemuria’ / ‘Sirius B’. ¿Estás de acuerdo con esto?

‘Vovin’ es el disco del que hemos vendido más copias hasta ahora, así que, si preguntas a la masa, éste debería de ser nuestro mejor trabajo. En el momento de su publicación, ‘Secret of the Runes’ fue toda una decepción porque vendió apenas la mitad de lo que había vendido ‘Vovin’. Así que… depende de en dónde pongas el foco a la hora de elegir. Hoy en día, ‘Secret of the Runes’ es considerado nuestro mejor álbum por nuestros seguidores de toda la vida. Así que supongo que ‘Vovin’ fue el disco que tuvo mayor facilidad para llegar a la gente, pero que en ‘Secret of the Runes’ conseguimos un sonido mucho más atractivo para nuestros seguidores.

La mezcla de metal y música clásica ofrecida por Therion es siempre interesante, pero me pareció especialmente atractivo el proyecto ‘The Miskolc Experience’ en el que tratabais de establecer un puente bidireccional entre esos dos tipos de música… que en el fondo tampoco están tan alejados como pudiera parecer en un primer momento.

La idea nació muchos años antes de que pudiéramos llevarla a cabo, pero cada vez que nos decidíamos a intentarlo al final teníamos que echarnos atrás por motivos económicos. En 2008 hicimos algo parecido en Rumanía y fue por eso por lo que lo que nos invitaron en el Festival de Ópera de Miskolc. Eso nos dio la oportunidad de hacer algunas mejoras en el show y de prepararlo todo para que fuera grabado. Lo más interesante de todo el asunto es que, mientras que el show que hicimos en Rumanía fue un show de Therion, el concierto que dimos en Miskolc formaba parte de un festival de ópera, así que al menos la mitad de los asistentes eran aficionados a la ópera que no sabían nada sobre nosotros. Así que en esa ocasión sí que nuestra actuación fue, casi literalmente, un puente entre el mundo del metal y el de la ópera.

¿Qué podemos esperar de Therion después de este nuevo disco y esta gira de 25 aniversario?

Vamos a hacer una ópera rock. Va a ser algo muy grande, complejo y muy original. Creo que nos va a tener ocupados durante muchos años…

Rush, ‘Clockwork Angels’

Los canadienses Rush se convirtieron en 2011 en el tercer grupo con más discos de oro y platino obtenidos de forma consecutiva después de The Beatles y The Rolling Stones. Dejo caer este dato por empezar la reseña por alguna parte y, sobre todo, por contrastarlo un poco con el hecho de que ningún promotor estatal haya tenido nunca la certeza de que este grupo pueda llenar un aforo de 15.000 personas y de que, como consecuencia de esto, el grupo no haya tocado aún en la península en sus casi cuarenta años de historia.

Clockwork angels’ es el decimonoveno disco de estudio de Rush (el vigésimo si tenemos en cuenta el EP ‘Feedback’ en el que versioneaban algunas de las canciones que más los influenciaron en los 60) y, ya desde su misma portada, supone un intento de trasladar a su actual universo tanto estético como sonoro el tipo de canciones que componían en la primera etapa del grupo. Los guiños son evidentes: desde las agujas de reloj que marcan las 21:12 en homenaje al disco ‘2112’ (1976) hasta la entrada de ‘Headlong Flight’ que recrea con leves variaciones la de la canción ‘Bastille Day’ (1975). Pero éstas no son más que formas de poner de un modo más evidente algo que también se intuye en las dinámicas de canciones como ‘BU2B’ o la ‘Clockwork Angels’ que da nombre al disco.

A lo largo de los 12 temas que conforman el álbum, su joven protagonista atravesará un mundo que mezcla magia y steampunk a partes iguales, mientras lidia con las fuerzas del orden y el caos que encuentra a su paso. La historia será también novelizada por Kevin J. Anderson.

Texto originalmente publicado en el número 56 de la revista AUX Magazine

Bilbao BBK Live 2012: Radiohead, set list

Ayer les tocó a los británicos Radiohead hacer de cabeza de cartel en esta séptima edición del Bilbao BBK Live y cumplieron con creces las expectativas que se habían creado alrededor de su concierto.

Radiohead es uno de esos grupos que, al igual que los también británicos The Cure que cerraron la primera jornada del festival, tiene un repertorio tan grande como su propia discografía. De hecho, en esta gira de presentación del ‘The King Of Limbs‘ han estado tocando temas nuevos (‘Identikit‘, ‘Full Stop‘), canciones editadas independientemente a modo de single (‘Supercollider‘, ‘Staircase‘) y piezas especiales que jamás habían tocado en directo (‘Treefingers‘).

En Bilbao, la única canción especial de este tipo que pudimos disfrutar fue ‘The Daily Mail‘. Por lo demás, el grupo se olvidó totalmente de sus dos primeros discos y prestó, como es natural, una especial atención a sus dos últimos trabajos.

Os dejo con el repertorio:

O dicho de otra forma:

Bloom
15 Step
Bodysnatchers
Daily Mail
Myxomatosis
The Gloaming
Morning Mr. Magpie
Pyramid Song
Reckoner
I Might Be Wrong
Nude
Lotus Flower
There There
Karma Police
Feral
Idioteque
—————-
Give Up The Ghost
National Anthem / Kid A
Everything In Its Right Place
Paranoid Android

Bilbao BBK Live 2012: The Cure, set acústico de Robert Smith

Ayer empezó la séptima edición del festival Bilbao BBK Live con The Cure como cabeza de cartel. Un set de tres horas con todos los clásicos y una especial atención al álbum ‘Wish‘… la reseña se puede leer en cualquier web o en cualquier periódico que cuente con una sección cultural. 
Lo que yo quiero compartir con vosotros en esta ocasión es el vídeo del pequeño set acústico de tres canciones que hizo Robert Smith antes de empezar el concierto. La banda ya llevaba más de media hora de retraso debido a lo que yo entendí que eran unos problemas con dos inuits (“problema… técnica… dos… minüt“, fueron las palabras exactas del amigo Robert), pero que finalmente terminaron siendo unos problemas con el sonido de los teclados (la verdad es que no llegaron a sonar del todo bien en todo el concierto), y el músico quiso resarcir al público del retraso con estas canciones

Os dejo con ‘Three imaginary boys‘, ‘Fire in Cairo‘ y ‘Boys don’t cry’.

Entrevista Russian Circles: ‘Empros’

Los norteamericanos Russian Circles practican un post metal instrumental que les ha granjeado multitud de seguidores. Aun así,  la papeleta que tenían con su nuevo disco ‘Empros‘ (publicado en octubre de 2011) no era nada fácil de solventar después del abrumador ‘Geneva‘ que nos regalaron como anterior trabajo de estudio.

¿Qué cómo lo han solucionado? Volviendo a las raíces y construyendo un disco concebido para el formato trío en el que empujan su música más allá de sus fronteras naturales haciéndola conocer nuevos terrenos tanto en su vertiente más ambiental como en la más dura.

Hablamos con su guitarrista Mike Sullivan sobre este disco para la revista AUX Magazine.

El término post-rock bajo el que se os suele etiquetar me parece una descripción un tanto simplista de lo que hacéis. ¿Cómo calificarías tú vuestro sonido?

Yo simplemente diría que somos un grupo de rock. Creo que, llegados a un punto, cuando más amplia sea la descripción de un género, más fácilmente podrá interpretar la música cada oyente por sí mismo.

Siempre habéis cubierto un espectro sonoro muy amplio, pero me da la sensación de que en este ‘Empros’ habéis hecho aún más extremo el contraste entre los pasajes fuertes y los suaves.

Simplemente es el modo en el que salieron las cosas. Cuando empezamos a componer las canciones para ‘Empros’ sabíamos que queríamos hacer un disco más oscuro que los anteriores, pero no nos impusimos la tarea de polarizarlo conscientemente.

Al hilo de esta versatilidad sonora, ¿de dónde vienen la mayoría de seguidores de Russian Circles?

Me gusta pensar que tenemos una base de seguidores muy heterogénea, pero sí que es cierto que el grueso de ellos tiende hacia el lado más pesado y experimental de la música. Lo más probable es que nuestro seguidor medio tenga barba, cierto nivel de pérdida de audición y problemas de abuso de drogas (risas…).

Tanto Brian como tú podéis enriquecer el sonido de vuestros instrumentos con toda una serie de pedales, pero Dave sufre las limitaciones de su batería a pesar de ser la pieza principal de vuestras canciones.

Cada uno de nosotros tiene un modo diferente de acercarse a su instrumento. Brian y yo nos tomamos la libertad de jugar por los pedales de efectos y de tratar de encontrar nuevas vías más allá de las formas tradicionales de tocar tanto la guitarra como el bajo, pero pienso que en el mundo de la percusión las limitaciones que impone el uso de un instrumento enteramente analógico pueden ser una bendición escondida. Dave dice que el tener un reducido set de batería le fuerza a ser más creativo y a centrarse más en el ambiente de la canción. Trasladando esto al trabajo de la banda en conjunto, esta filosofía nos ayuda a no perdernos en las profundidades y a mantener siempre a la vista el punto focal de cada tema.

Creo que ‘Geneva’ supuso un punto de inflexión en vuestra carrera al añadir nuevas texturas a vuestro sonido, como la de los vientos y las cuerdas, y abrirlo a un público nuevo.

Estoy de acuerdo con eso, pero creo que ‘Geneva’ no hubiera sido posible sin ‘Station’, el álbum que le precede. Al terminar la grabación de ‘Station’ nos quedamos con la sensación de que nos había salido un disco muy desnudo, al que le faltaba algo de la oscuridad, del ruido y de las retroalimentaciones que pueden escucharse en nuestras actuaciones de directo. Con ‘Geneva’ simplemente tratamos de cubrir esas carencias.

A pesar de esto, parece que habéis querido volver a vuestras raíces con este ‘Empros’, ¿no es así?

El fondo de la cuestión es que queríamos volver a sentirnos cómodos tocando en un formato trío, sin sentir que estamos apoyando nuestras composiciones en los instrumentos suplementarios que hemos añadido en el estudio. Pero también he de decir que fue algo frustrante ver cómo algunas de las canciones de ‘Geneva’ perdían algo en directo al no contar con la ayuda que las cuerdas y los vientos que terminaban de redondearlas. En esta ocasión hemos querido desnudar nuestras canciones todo lo posible para sentirnos cómodos a la hora de llevarlas a los escenarios.

¿Creéis que vuestro camino ha sido más difícil por ser un grupo instrumental?

No. De hecho, tengo la sensación de que hemos podido atraer a más oyentes porque, a pesar de que nuestras canciones sean muchas veces pesadas, no tenemos esas voces agudas que tanto espantan a algunos. De todos modos tratamos de asegurarnos de que no haya ningún vacío en las canciones y de que cada uno de los temas tenga entidad propia y sea diferente a todos los demás a pesar de esa ausencia de voz. Pasamos mucho tiempo corrigiéndonos tanto a nosotros mismos como al resto del grupo a lo largo de todo el proceso de composición.

De una forma muy especial, pero os habéis animado a incluir algo de voz en ‘Praise be man’.

Brian nos mandó por correo electrónico una canción que había compuesto para participar en un sello de un amigo suyo que no edita nada más que casettes. A Dave y a mí nos encantó la canción y, para sorpresa de Brian, le dijimos que pensábamos que sería un aporte muy bueno para el disco. El grueso de lo que se oye en ‘Empros’ está sacado de la grabación original que hizo Brian en un cuatro pistas, que luego hemos complementado con un poco de experimentación de la vieja escuela hecha en el estudio.

Entrevista a Willie Nile: ‘The innocent ones’

Willie Nile es uno de los secretos mejor guardados de la escena musical norteamericana, uno de esos losers neoyorquinos que tanto han dado al mundo del rock ‘n’ roll.

Amigo de artistas como Bruce Springsteen (que comparte escenario con el bueno de Willie cada vez que tiene la oportunidad) y Elliot Murphy (con quien lo emparenta su amor por la poesía), a Willie Nile la fama le ha pasado siempre cerca: rozándolo de refilón, pero sin llegar a impactar de frente contra él.

Esto le ha hecho ganarse un nombre en el circuito de salas: ese ámbito en el que el sudor y la entrega son sinónimo de una noche inolvidable. Y es que Willie Nile es ante todo un trabajador del rock ‘n’ roll, un músico al que le da lo mismo tocan ante 500 personas que ante 50.000 siempre que lo haga ante verdaderos fieles de su causa musical.

El sábado 31 de marzo Willie Nile estará tocando en el Kafe Antzokia de Bilbao con su último ‘The innocent ones‘ como bandera, un disco dedicado a todos aquellos a los que la vida les ha dado la espalda de uno u otro modo y que está lleno de auténticos himnos que merece la pena conocer y corear.

Recupero la entrevista que le hice a Willie Nile para el número 53 de la revista AUX Magazine con motivo de este concierto… y esperando que os anime a ir al concierto.

¿Cómo era la escena del rock ‘n’ roll cuando tú empezabas a tocar en ella?

Realmente no había una escena de rock ‘n’ roll propiamente dicha cuando yo empecé en Nueva York en los 70. La mayor parte de la música que allí se escuchaba era folk. Yo hacía muchas cosas diferentes en aquel entonces, pero casi todas estaban emparentadas con el rock, así que todo se volvió mucho más interesantes para mí cuando inauguraron el club CBGB. Entonces fue cuando grupos como The Ramones, Television o Patti Smith empezaron a tocar su genial música.

¿Te influyó aquello?

Fue muy divertido poder escuchar a esos grupos, pero tengo la sensación de que yo estaba recorriendo mi propio camino, independientemente de toda la música que se estuviera creando a mi alrededor.

Me enteré hace relativamente poco tiempo de que el nombre de Willie Nile era un sobrenombre y me pareció algo curioso. ¿Por qué elegiste este nombre en lugar del Robert Noonan con el que naciste?

Cuando estaba empezando, solía ir a muchas noches de micrófono abierto en el Greenwich Village. Tenías que apuntarte y esperar turno. Una noche, un tipo especialmente desagradable me preguntó mi nombre. Le dije Bob Noonan pero no me entendió. Fue tan irrespetuoso que le dije que me llamaba Huey Resinbag, como las bolsas de resina que usan los jugadores de beisbol para secarse las manos, y me quedé esperando a que me llamara muriéndome de la risa. Eso me hizo perder toda la pretenciosidad que yo tenía en escena en aquel entonces, y empecé a actuar cada día bajo un nombre distinto. Osgoo Pequod, Umberto Snortz… Willie Nile es simplemente un nombre que soñé una noche y que pensé que sería adecuado para alguien que hiciera rock ‘n’ roll como yo.

¿Cómo influyó en tu música el hecho de que fueras poeta antes de músico?

Me dio la libertad para escribir sobre cualquier cosa. Eso era lo que hacía cuando escribía poesía y es lo que seguí haciendo cuando empecé a componer canciones.

Después de tantos años en el mundo de la música, ¿qué significa el éxito para ti?

El éxito verdadero es hacer el suficiente dinero como para poder vivir y tener unos seguidores fervientes. No tienen por qué ser millones, basta que sean unos cuántos en cada ciudad, eso es suficiente para mantenerte vivo y animarte a compartir con ellos una gran noche de música, pasión y romance.

Siempre has sido muy políticamente activo en tus canciones, y tu último disco, ‘The innocent ones’, no es una excepción.

Esos inocentes de los que habla el título son las víctimas de la falta de humanidad del hombre para con el hombre. Una falta de humanidad que puede manifestarse a través de la ignorancia, la negligencia, la crueldad… Quise componer una canción esperanzadora, algo que te haga sentir bien mientras lo escuchas a pesar de que te haga ser consciente de lo crudas que son algunas realidades que aún hay en nuestro mundo.

Hablando de este activismo, no te limitas a seguir los acontecimientos de EE.UU. Has cantado ‘Hard times in the UK’ en tus giras por Reino Unido, y tu ‘Cellphones ringing’ está inspirado por los atentados del 11-M de Madrid.

Tienes toda la razón, no sólo canto sobre EE.UU. a pesar de vivir allí. Espero que algún día la gente se dé cuenta de que todos estamos juntos en esto y de que siempre es mucho mejor dar que recibir. Ayudar al prójimo es algo que te ayuda a ti mismo, todos deberíamos ser más compasivos.

Tus conciertos están llenos de energía. ¿Es ahí donde realmente llegan tus canciones a desarrollarse, o eres de los que creen que ya están terminadas al ser grabadas y que el escenario es una excusa para pasarlo bien?

Ambos enfoques son ciertos. La versión grabada guarda el estado en el que la canción está en ese preciso instante. Entonces esa es la versión más real y más llena de significado, y yo seguiré cantándola de ese modo sólo mientras siga teniendo significado para mí. Yo me dedico a esto porque pienso que así puedo servir de inspiración a otros, del mismo modo que otros me sirven de inspiración a mí; y no me gustaría hacer perder el tiempo a nadie. Creo que cualquiera que me haya visto en directo te lo puede confirmar. Si conseguimos pasar juntos un buen rato y sentirnos inspirados, he hecho mi trabajo.

Es genial ver cómo te paras a hablar con tus seguidores después de cada concierto… Supongo que eres consciente de que hay grupos que venden unas entradas especiales (y especialmente caras) para esos meet and greets.

Me encanta hablar con la gente, ver sus caras y compartir momentos. No soy una máquina, no soy un producto, sino una persona que se dedica a esto con pasión. Y si alguien del público comparte esa pasión, yo soy feliz saliendo a saludarlo.

¿Qué podemos esperar de tu concierto en Bilbao?

Habrá levitaciones, los corazones explotarán, los ojos sangrarán, las personas caerán enamoradas o, si han bebido demasiado, simplemente al suelo. Será una noche de caminar sobre el alambre, de amor a primera vista, de romance salvaje y de humor y de pasión, de preocuparse por el resto de nuestros hermanos y hermanas. Habrá canciones viejas y nuevas, y sobre todo habrá canciones que todo el público podrá cantar desde lo más hondo de sus pulmones.

Y cuando el bueno de Willie dice algo así, querido lector, debes saber que no está exagerando.


Entrevista John Cale: ‘Extra Playful’

Conocimos a John Cale como el científico loco que había detrás de The Velvet Underground. Mientras que Lou Reed era el encargado que dotar a la formación de la necesaria actitud convirtiéndose en su rostro más visible, John Cale daba la sensación de ser el último responsable de ese sonido que tantas puertas ha abierto con el paso del tiempo.

Puede que esta imagen que tenemos de John Cale como cerebro experimentador de The Velvet Underground no sea más que el resultado de su trabajo previo con artistas como John Cage, pero la trayectoria posterior del galés no ha hecho más que confirmar está sensación.

Después de haber transitado por los terrenos minados de la música minimalista experimental y del avant-garde, John Cale ofrece en ‘Extra Playful‘ cinco canciones llenas de frescura que nos dan una idea de lo que puede ser su siguiente trabajo de estudio.

Esta es la conversación que mantuvimos con él con la excusa de la publicación de este EP y que publicamos en el número 53 de la revista AUX Magazine bajo el título de ‘Jugando con el maestro‘.

AUX Magazine: Tu última grabación de estudio es el EP ‘Extra Playful’. Tanto la música de las cinco canciones que componen el disco como el propio juego de palabras de su título (EP, ‘Extra Playful’, ‘Extra Lúdico’) parecen invitar a pasárselo bien…

John Cale: En efecto, eso es lo que busqué desde el principio con este trabajo. Siempre he oído hablar de mí diciendo que soy muy serio, muy intelectual, muy melancólico y meditativo… Así que simplemente pensé que podría ser una buena idea mostrar mi otra cara para cambiar un poco.

¿Es este EP un adelanto del camino que seguirá tu próximo disco, o simplemente un reflejo de lo que te apetecía hacer en este momento?

Hay un poco de las dos cosas. Había reunido demasiadas canciones como para grabarlas todas en un álbum, y algunas de ellas las había estado tocando en directo el suficiente tiempo como para ver cómo iban evolucionando hacia algo totalmente diferente. Me pareció que esos temas ya estaban listos para ser grabados y que, además, podrían servir a modo de pista sobre lo que puede esperar el público de mi próximo disco.

El EP empieza con toda una declaración de intenciones: “di hola al futuro y adiós al pasado”. ¿No es eso lo que llevas haciendo desde el principio de tu carrera?

Es verdad que no me gusta repetirme demasiado. Siempre prefiero tirar hacia adelante y doblar la esquina sin mirar atrás, aunque no sepa lo que puede esperarme allí. Ese no saber lo que te espera me parece mucho mejor que estar seguro de que ya has hecho lo mismo una y otra vez.

A pesar de que en este caso te hayas alejado del avant-garde de tus grabaciones anteriores, las canciones de ‘Extra Playful’ parecen más actuales que otras compuestas por otros músicos mucho más jóvenes que tú. No sé si esta actualidad es algo que buscas de un modo consciente…

Me siento muy halagado por ese comentario, pero no pienso demasiado en eso a la hora de componer. Supongo que esa actualidad es el resultado de sentirme conectado a todo lo que sucede hoy en día a mi alrededor…

A pesar de esta modernidad de la que te hablaba ahora, la verdad es que tu carrera parece un delicado equilibrio entre expectativa y experiencia. De hecho te tuvimos hace poco tocando tu
‘Paris 1919’ entero.

Siempre me gusta mezclar las cosas, me parece que esa mezcla hace que todo sea mucho más interesante. Empecé a representar esos espectáculos basados en ‘Paris 1919’ porque mis seguidores llevaban ya 30 años pidiéndome que lo hiciera, pero he intentado representarlos sólo en ocasiones especiales. No me gustaría hacerlo a lo largo de toda una gira… Eso me volvería loco, me parecería demasiado predecible.

Hablemos un poco sobre algunas de las canciones de este EP. ‘Catastrofuk’, la primera de ellas, es muy luminosa, con una melodía que se pega al momento.

¡Si esta canción te hace sentir feliz es porque la felicidad ya está en ti! (Risas…) La canción trata de cómo las cosas se desmadran de vez en cuando. Eso puede ser algo bueno, algo malo, o simplemente una locura, pero al menos significa que algo está sucediendo y eso es bueno, sin lugar a dudas. No es divertido vivir en un mundo demasiado cuadriculado.

‘Hey Ray’, por su parte, parece ser una divertida broma sobre toda la carga de paranoia que trajo consigo la guerra fría hace décadas. ¿Cuál es su historia real?

Es un homenaje a Ray Johnson, uno de los primeros artistas que conocí cuando llegué a Nueva York. Era un tipo muy extraño que nunca llamaba a nadie y nunca visitaba a nadie tampoco. Pero si le gustabas, podía enviarte por correo algún collage artístico encontrado. Ray vivía al margen de todo y de todos, y a mí me parecía un personaje de lo más fascinante por aquel entonces. He aprovechado la ocasión para evocar toda esa paranoia que tú mencionas porque es muy indicativa del periodo histórico en el que conocí a Ray.

‘Perfection’ me parece otro de los puntos álgidos del EP, mezclando todos esos efectos y todas esas capas de sonido para conseguir un resultado directo y pegadizo.

Siempre me ha gustado jugar con las capas en mis canciones, especialmente cuando eso contrasta con el minimalismo de otras de las pistas de un disco. Creo que este tema es el que mejor sirve de unión a lo que será el sonido de mi próximo disco.

Cuando te conocimos como miembro de The Velvet Underground, ya llevabas algún tiempo trabajando como compositor. ¿Qué influencia tuvo este trabajo previo con gente como John Cage en tu posterior carrera en el mundo del rock?

Cage es la persona que más influencia ha tenido en mi trabajo, sobre todo por su forma de comprender los espacios entre sonidos. El modo en el que él relacionaba música y silencio terminó de dar forma a mi modo de entender este arte.

Has podido vivir varias revoluciones musicales a lo largo de tu carrera. ¿Crees que puede producirse algo semejante en un mercado musical tan mercantilizado como el actual?

La palabra revolución se usa demasiado hoy en día. Creo que tendríamos que reservarla para algo más importante que la música, como la creación de un marco económico justo en el que todos podamos vivir con dignidad, o el descubrimiento de una cura para algunas de las graves enfermedades que aún padecemos por desgracia.

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Hasta aquí llegó la conversación con John Cale, pero no quería dar por terminado este post sin compartir el vídeo de la aparición del bueno de John en el programa ‘I’ve got a secret‘ del 16 de septiembre de 1963 con motivo de la primera representación completa de la obra ‘Vejaciones‘ de Erik Satie. Cale iba a ser uno de los interpretes de esta obra para piano que repite 840 veces una misma melodía hasta llegar a totalizar una duración de 18 horas y 40 minutos.

Creo que ninguno de los presentes entendió demasiado bien por qué eso tenía que ser así… a pesar de la clara explicación de Cale: “por ningún motivo“.

Pare terminar, os dejo con ‘Catastrofuk‘, tema que abre ‘Extra Playful

Derechos de autor: Frida Laponia y Vacabou

El siempre interesante Agustín Fernández Mallo nos ha hecho llegar a la redacción un par de CDs. Uno de ellos es el primer disco de Frida Laponia, grupo que ha formado junto a Joan Feliu Sastre, y el otro es ‘alfalfa & beta‘, la nueva entrega de los mallorquines Vacabou, en los que es Pascale Saravelli la que se une al ya citado Joan Feliu Sastre.

Los discos están disponibles para ser descargados con total libertad en las páginas de Frida Laponia y Vacabou respectivamente. Personalmente su música no nos ha llamado demasiado la atención (demasiado Siglo 21 para lo que suele gustarnos normalmente, cualquier oyente asiduo de Radio 3 sabrá de sobra a qué nos referimos), pero sí que nos ha parecido reseñable este hecho de que ambos grupos compartan su música con todos sus seguidores, que serán al fin y al cabo los últimos responsables de que sus carreras duren o no muchos años.

Reproducimos lo más fielmente posible la nota que aparece en ‘alfalfa & beta‘, porque nos parece una carga de profundidad contra el justo centro del problema discográfico.

Bands don’t earn from selling but from Concerts come when People know about you when they hear your music, no matter how. 99% of bands & la els have no m ney to uy space in the b g m dia w ich sells it. Technology is their only exit to this situation. There has always been powerful people against deep changes in societies, and they can hurt many but they never won.

O dicho de otro modo y traduciendo de forma libre:

Los grupos no ganan dinero vendiendo discos, sino a través de sus conciertos. Y estos conciertos llegan cuando la gente te conoce, cosa que sucede cuando la gente escucha tu trabajo, no importa de qué manera. el 99% de los grupos y sellos discográficos no tienen suficiente dinero como para comprar espacio en los grandes medios de comunicación. La tecnología es la única forma con la que pueden salir de esta situación. Siempre ha habido gente poderosa que se ha posicionado contra los cambios profundos en la sociedad y, a pesar de que puedan hacer mucho daño, nunca han ganado.

Que ustedes lo escuchen bien…